Gravity es todo un despliegue visual y efectista en una situación límite magníficamente narrada e interpretada, una maravilla del nuevo cine que dejará una huella indeleble en los próximos años. Aunque quizás peca de tecnicidad, pues está rodada para ser vista en tres dimensiones y supone un nuevo avance en este campo. En ese sentido es más una obra de innovación técnica que de novedad argumental. Y sin embargo, la historia acaba cautivando. Cuando los astronautas están anclados a la nave nodriza como si fueran fetos en la barriga de una madre, siendo el espacio vacío la placenta, el cordón umbilical que los une se rompe, un imprevisto accidente (reflexionemos: un satélite ruso que explosiona, ¿casualidad?) destroza la nave y, de paso, los deja flotando en el espacio interestelar, a la buena de Dios, sabedores de que la delgada línea que separa la vida de la muerte es minúscula.
Así comienza esta historia dramática, donde el espectador lo pasa mal y sufre con los avatares de la doctora Ryan Stone ( Sandra Bullock) que, siguiendo con el símil anterior, sobrevive sobre todas las cosas, a pesar de los duros avatares que le tocan vivir. Ella no tiene experiencia, es su primera misión espacial, pero está rodeada de todo un equipo de científicos y astronautas que la ayudan, en concreto Matt Kowalsky( George Clooney) la acompaña, enfundados en sus trajes, para reparar un imprevisto en el exterior de la nave. Pero entonces llega la onda expansiva, la basura que, a velocidad supersónica, amenaza con destruirlo todo. Ella queda separada, sale despedida, ha perdido la orientación y viaja hacia el abismo interestelar mientras observamos, con ella, como todo da vueltas a una velocidad enloquecida. A punto de morir encerrada en esa cárcel posiblemente de un ataque de pánico antes que de falta de gravedad, es rescatada in-extremis por su compañero pero cuando intentan regresar a la nave el desastre es total y absoluto, todo se ha ido a hacer puñetas y están solos, flotando a unos cuantos kilómetros del planeta azul. Deben actuar con rapidez pues el oxígeno dentro del envoltorio que los protege se va agotando, en especial el de la doctora que ha hiperventilado en su desventurada desconexión. Pronto deberán recorrer un largo camino para contactar con la estación espacial internacional.
Más allá de la película de ciencia-ficción nos abruma la historia de supervivencia, la soledad, el miedo, el drama, el recuerdo de la hija perdida, la agonía y la lucha titánica por vivir pero sí que hay que destacar que todo esto, que forma parte del guión, no es innovador. Es una buena historia que emociona y atrapa pero aquí lo que prima es lo estético sobre lo ético. Técnicamente sublime, Cuarón podemos decir que atrapa el espacio dentro de la película como pocas obras lo han hecho. Su dirección es segura y brillante, diríamos que de un gran virtuosismo, utilizando el plano secuencia con gran acierto al comienzo del film, un plano que se hace insportablemente interminable, como el resto, incluso en interiores y continúa con ese buen hacer que hace que la imagen sea extraordinariamente poderosa, de una potencia sin igual. Después de su inolvidable e impactante Hijos de los hombres, ha regresado por la puerta grande a la realización cinematográfica.
Todo ello sería imposible sin la labor de fotografía de Emmanuel Lubezki, fiel compañero de Cuarón que logra aquí, con unos medios tecnológicos desbordantes, una obra estética total, posiblemente la mejor imagen que en cine se haya dado del espacio exterior y del planeta tierra desde este, sin descuidar tampoco las calidades de la luz, una luminosidad pura que irradia en el rostro de la Bullock. La música de Steven Price, de una gran épica, actúa como un eco gravitatorio que envuelve ese espacio insonoro y apunta el dramatismo de una persona que se encuentra sola, en un vacío que no solo es extraterrestre sino existencial.
En cuanto a los protagonistas destaca la enorme presencia de Sandra Bullock, quizás su mejor interpretación, para la que tuvo que realizar una gran labor metódica y física que ha merecido sobradamente la pena. Clooney acompaña bien, está correcto como casi siempre y destacar además de las voces de la radio esa inmensidad que es el espacio exterior, auténtica metáfora del terror y del peligro acechando constantemente. Gravity marcará un antes y un después a nivel técnico y visual, como ya hemos comentado, será largamente recordada y no solo por sus óscars aunque no alcanzará jamás la profundidad y alcance de 2001, la obra maestra de Kubrick con la que se la ha querido comparar.
El
color, una magistral exhibición de color, de luces y sombras, de escenarios muy
cuidados, de cuadros románticos a lo Constable, bucólicos quedarán indelebles
en nuestra retina al margen de todo lo demás, de la extraordinaria puesta en
escena, de los decorados y exteriores, del atrezzo y el cuidadísmo maquillaje
y, sobre todo, de la historia propiamente dicha. Porque es una película
histórica que exuda poesía, centrada en la era napoleónica y su precipitado
final, en donde dos militares franceses del mismo rango, tenientes, se enzarzan
en un duelo a muerte ininterrumpido en el tiempo, nunca del todo resuelto y que
se va eternizando, que no culmina hasta que, precisamente, francia cambia de
época, Napoleón es derrotado y comienza la etapa del nuevo rey Luis (XVIII). Un
odio infinito, un encono, que podría perfectamente haber estado representado en
otra época y circunstancias, si bien no en todas las sociedades la disputa por
el honor se dirimía en un duelo a espada o pistola.
Deja
helado saber que esta película es una ópera prima y que el director es el
renombrado Ridley
Scott. Su buen hacer está presente a lo largo de una
película bien rodada, con una estética como decíamos muy lograda, de época, un
tanto esteticista, que utilizará en otras de sus grandes producciones. Scott
hace todo un alarde de capacidad técnica en la dirección cinematográfica,
planos secuencia, primeros planos, trávelings y muchos más elementos técnicos.
En este caso toda la acción dramática está dominada por la lucha, el duelo
constante entre dos personas que reflejan dos mundos paralelos y
contradictorios: El teniente de húsares, noble y realista Armand D'Hubert
(Keith Carradine) y
el teniente Ferraud
(Harvey Keitel), de un estrato social inferior y retorcidamente
bonapartista.
Todo
comienza con el soberbio e iracundo Ferraud diputándo el honor ultrajado del
emperador, un duelo de honor que será reprobado por la superioridad. Entonces
entra en escena D'Hubert, que es enviado para detenerlo y meterlo entre rejas.
Sin embargo no es capaz de apresarlo y por el contrario acaba batiéndose a
duelo con el propio Ferraud, irreverente e irrespetuoso, dando comienzo a un
periplo por toda Europa, según avanzan las guerras napoleónicas, donde se
batirán en duelos que siempre acaban en tablas, si bien es siempre Ferraud el
que obsesivamente busca a D'Humbert para finalizar su disputa de honor. Esos
duelos son como combates dentro de una guerra, como algo personal entre un ser
decadente y acabado y otro que ha de resistir a toda costa, un ser digno que
debe aceptar con resignación vivir con dignidad. Scott nos traslada al contexto
de las guerras napoleónicas distribuyendo la película en capitulos según
avanzan hacia Rusia, en donde quedarán terriblemente congelados y destruídos,
uno de los momentos más sobrecogedores del film.
Vaughan-Hughes
entreteje el guión que basado en un relato de Joseph Conrad recoge
esta dicotomía del honor que no es personal sino ideológico y esa lucha eterna
a la que finalmente no se pueden resistir ambos contendientes, por mucho tiempo
que haya pasado desde las últimas tablas. La imagen final de la película nos
transmite la idea de la derrota bonapartista en Santa Elena y además nos remite
a la pintura bucólica de Friedrich.
La fotografía de Frank Tidy merece capítulo aparte y, como
decíamos al principio, es magistral. El color y la luz se entremezclan en
interiores y exteriores. En los primeros la claridad emana desde las ventanas y
en los vegetales exteriores los cielos grises se entremezclan con la luz y las
sombras creando una magnífica sensación cromática. Por otro lado todo está
perfectamente cuidado en la película, incluído el atrezo y el vestuario,
generando un verismo sorprendente. Creemos habernos trasladado a aquella época,
mucho más cuando vemos esos duelos de honor, con esos sables y espadas
resonando en nuestra cabeza machaconamente. 
La
música de Howard Blake consigue
traladar ese toque de época decadente, de final de un mundo y comienzo de otro,
que tanto nos recuerda esta película. Magnífico ejercicio cinematográfico de Ridley Scott en la que fue su primera obra, una
película inolvidable que logra trasladarnos como si dispusiésemos de una
máquina del tiempo a una época en la que el honor y la lealtad estaba por
encima de todo.
